MORB ART
Interview mit dem Turiner Street Artist MORB:
Street Art ist eine Kunst, von der ich behaupten würde, dass sie eine stärkere kollektive Wirkung hat. Sie bringt die Menschen zusammen und löst sie aus ihrem Leben; sie entfremdet sie für ein paar Momente; sie lässt sie in eine Dimension eintauchen, die sich von der gewöhnlichen unterscheidet.
Was verbirgt sich hinter dem Namen Morb Art? Kannst du uns mehr über dich und deinen künstlerischen Background erzählen?
Der Name Morb ist eine Verkleinerungsform eines Spitznamens, den ich als Kind hatte und den ich dann in den frühen 2000er Jahren als Tag adoptiert habe. Zu dieser Zeit war ich als Graffiti-Writer in den Hügeln von Modena aktiv, und aus dieser Zeit stammt ein Teil meines heutigen künstlerischen Ausdrucks – aus der Welt des Graffiti, der Untergrundkultur und der amerikanischen Musikszene.
Wie bist du in Kontakt mit Street Art und Graffiti gekommen? Was war der Anstoß, deine Werke im öffentlichen Raum zu präsentieren?
Wie ich schon sagte, war ich sehr fasziniert von einer so weit entfernten Kultur wie der amerikanischen, die, als sie in Italien ankam, die Städte mit einer Note von Farbe kontaminierte, die sie vorher nicht hatten. Wahrscheinlich hat mich dieser künstlerische Ausdruck, rebellisch und aus der Reihe tanzend, so sehr gefangen genommen, dass ich am Ende ein Teil davon wurde. Das war es wohl auch, was mich damals näher als alles andere zur Street Art oder besser gesagt zu Graffiti brachte.
Jetzt, Jahre später, haben sich die Dinge geändert. Die gestiegene Toleranz und die Entwicklung dieser Kultur haben jedem die Möglichkeit gegeben, Kunst zu genießen, auch ohne in ein Museum gehen zu müssen. Ich, zum Beispiel, male nicht mehr wie früher auf Wände, sondern schaffe urbane Installationen.
Wie würdest du „urbane Kunst“ definieren?
Innerhalb jedermanns Reichweite. Es gibt Werke, die mehr oder weniger einfach zu verstehen sind, aber das war in der Kunst schon immer so.
„Kunst als ein Vehikel der menschlichen Begegnung mit der tatsächlichen Welt.“ Würdest du so beschreiben, was dich antreibt, kreativ zu sein? Welche Beziehung möchtest du zu den Betrachtern deiner Werke herstellen?
Kunst ist mein Ausdrucksmittel, durch das ich nicht nur versuche, meine Gefühle auszudrücken, sondern auch zu zeigen, was in der Welt passiert. Ich analysiere die Menschen und ihre Verhaltensweisen sehr oft. In meiner neuesten Werkserie „Modern Eternities“ versuche ich, den Betrachter vollständig einzubeziehen und ihn mit dem Thema des Werkes selbst zu verbinden. Das Ziel ist es, das Werk dynamischer zu machen und eine sehr persönliche Erfahrung für diejenigen zu schaffen, die es beim Betrachten mit ihrem eigenen reflektierten und verzerrten Bild kontrastieren können.
Deine Kunst konzentriert sich auf Themen wie die Destruktion der Realität, die menschliche Genesis, die Anprangerung von Konsumismus und Tiermissbrauch sowie Glaube, Religion und das Göttliche – Arbeiten als „ein Vehikel der Mutationen und Metamorphosen der Realität“. Was sind deine Quellen der Inspiration? Gibt es andere (urbane) Künstler, die dich beeinflussen?
Ich denke, ich lasse mich von der Realität um mich herum inspirieren, die sich ständig weiterentwickelt. Wir werden mit Informationen, Bildern und Gefühlen bombardiert, die eine Art von Verbindung mit einer viszeralen und weniger greifbaren, intimeren und persönlichen Welt auslösen. Wie in meiner Kunst ersichtlich, fühle ich mich sehr von der weiblichen Figur angezogen, die fast 100% meines künstlerischen Ausdrucks ausmacht. Sie ist es, in ihrer Schönheit und Eleganz, die Muse, die so kompliziert zu verstehen ist und das ausdrucksstarke Vehikel der Mutationen und Metamorphosen der Realität darstellt.
Ich liebe die Fotografie sehr, besonders wenn sie mit Mode zu tun hat, und ich mag Fotografen, die sich damit beschäftigen. In vielen meiner Arbeiten aus dem Jahr 2020 habe ich die von Peter Lindberg fotografierten Sujets verwendet, um eine andere Realität als die ursprünglich eingefangene zu erschaffen und sie mit Urban Art zu kontrastieren.
Seit einiger Zeit verfolge ich das Duo Pichiavo, das ich sowohl für ihre Arbeiten als auch für den Wandel, mit dem sie das Bild der Street Art geprägt haben, sehr schätze. Ich mag African Ginger sehr, eine amerikanische Künstlerin, die Malerei und digitale Kunst miteinander verbindet. Andere, von denen ich sagen könnte, dass sie meine Kunst beeinflussen, sind David Lynch, Daniel Arsham, Reederone, Axel Void, Feral_kid, Isaac Cordal, John Washington, und viele andere.
Du bist sehr vielseitig und kreierst Kunst von Leinwänden, Installationen und Collagen über Skulpturen und Fotografie bis hin zu Street Art. Bist du noch auf der Suche nach deinem endgültigen Ausdrucksmittel, oder ist es die Vielfalt, die dich reizt?
Das Schöne an der Kunst ist, dass sie im Grunde keine wirkliche Begrenzung hat. Für mich ist es also toll, mich in all diesen Medien ausleben zu können, sodass ich meine Kreativität nicht einschränken muss.
Neben der Kunst stellst du auch deine eigenen Leinwände aus recyceltem Holz her, auf kunsthandwerkliche Weise und mit Liebe zum Detail, um einzigartige Stücke zu schaffen und ihnen ein zweites Leben zu geben. Welche Bedeutung haben Recycling und Nachhaltigkeit für dich, im Allgemeinen und in deiner künstlerischen Praxis?
Heutzutage achten die Menschen mehr auf die Umwelt; sie haben erkannt, dass der Einfluss des Menschen auf das Ökosystem des Planeten sehr stark ist. Ich denke, wenn wir alle auf unsere eigene kleine Art und Weise versuchen, unseren Teil dazu beizutragen, könnten wir gemeinsam einen Unterschied machen. Wir würden, kurz gesagt, einen besseren Planeten bewohnen. Aus diesen und anderen Überlegungen heraus ist „Hope Crisis“ entstanden: eine Serie von urbanen Installationen, die darauf abzielt, die Menschen zum Nachdenken über diesen sehr wichtigen Aspekt zu bringen. Im Grunde ist es ein Versuch, das Leben nachhaltiger zu gestalten, und deshalb sind die Materialien, mit denen ich arbeite, recycelt. Durch meine Arbeit versuche ich, einen minimalen Einfluss auf den Planeten zu haben, wie es auch in meinem persönlichen Leben geschieht.
Kannst du deine Techniken und deinen Schaffensprozess beschreiben? Entstehen deine Werke geplant oder eher aus Spontanität heraus?
Meine Arbeiten sind, wie du schon sagtest, sehr unterschiedlich, genauso wie die Techniken, die ich verwende. Was sie jedoch gemeinsam haben, ist der Erholungsfaktor. Ihre Entstehung erfolgt auf eine spontane Art und Weise, was die Vielfalt erklärt. Die Leinwände, die ich verwende, sind immer aus Holz und haben keinen wirklichen Standard.
Im Jahr 2020 habe ich an einer Serie in kleinen Formaten gearbeitet, die aus recyceltem Material hergestellt wurde, während die Dimensionen jetzt das Gegenteil sind. Technisch gesehen bevorzuge ich „mixed media“, weil ich mich freier in den Kombinationen fühle und von Anfang bis Ende des Prozesses manuell arbeite. Allerdings bleibe ich weiterhin Sprayfarben treu, die ich oft verwende, um meinen Werken ein urbanes Feeling zu verleihen. Ich lehne auch Technologie nicht ab, da sie seit Jahren zu meinem Hintergrund gehört. Ich habe viel gearbeitet und eine Menge Albumcover und Musik-EPs erstellt, und im Moment, in meinen neuesten Kreationen, versuche ich diese Techniken zu verbessern. Aktuell arbeite ich mit einem Smartphone, ohne Retuschier-Apps, um den Unterschied in der visuellen Beziehung zwischen dem menschlichen und dem künstlichen Auge zu analysieren, aber auch die unterschiedlichen Empfindungen, die beim Betrachten eines Kunstwerks entstehen.
Du bist nicht nur auf der Straße aktiv, sondern überträgst den Stil der Street Art auch auf Leinwände – „die Wirkung ist genauso direkt wie kontrovers“, wie du selbst sagst. Was ist deine Meinung zu dem Diskurs, dass urbane Kunst frei und öffentlich bleiben muss? Oder denkst du, dass eine breitere Anerkennung der Street Art Bewegung durch den traditionellen Kunstmarkt längst überfällig ist?
Ich glaube, dass urbane Kunst ein Eigenleben führt, weil diejenigen, die sie schaffen, Teil des sozialen Gefüges sind; sie sind mit täglichen Problemen konfrontiert, sie prallen aufeinander und rebellieren. Sicherlich wird sich die urbane Kunst weiterhin parallel zur traditionellen Kunst bewegen, wie sie es bisher getan hat. Allerdings gibt es mittlerweile Galerien, die sich mit Street Art und urbanen Künstlern beschäftigen, es gibt also ein Verlangen nach Anerkennung. Ich glaube, dass die urbane Kunst ihren Weg fortsetzen wird, oder besser gesagt, in ihren Straßen, mitten in der Stadt und darüber hinaus. Auch ich habe bereits Installationen mit Blick auf das Meer oder mitten im Wald gemacht. Urbane Kunst und traditionelle Kunst sind definitiv miteinander verbunden, und die Anerkennung dieser Bewegung ist nun offensichtlich und akzeptiert, während früher die Gegenüberstellung verachtet wurde.
Street Art hat nun die Aufwertung des Territoriums zur Aufgabe. Es gibt Sprühfarben, die die Luft von der täglichen Verschmutzung reinigen, und es ist eine Kunst, von der ich behaupten würde, dass sie eine stärkere kollektive Wirkung hat. Sie bringt die Menschen zusammen und löst sie aus ihrem Leben; sie entfremdet sie für ein paar Momente; sie lässt sie in eine Dimension eintauchen, die sich von der gewöhnlichen unterscheidet. Das ist genau das, was in Museen mit traditionellerer Kunst passiert, sozusagen. Ich denke also, am Ende des Tages sind sie ein und dasselbe.
Hope Crisis – 13039 I Projekt und Konzept von Morb I Fotografie von Massimiliano Sticca I Videografie von Giovanni Bottisio
Deine neue „Hope Crisis“ Serie ist das Ergebnis von fünf Jahren Recherche, die du erst kürzlich veröffentlicht hast. Du beschreibst sie als „die Materialisierung des menschlichen Glaubens, in Form einer Votivfigur, die Fragen der Umweltbelastung aufwirft, mit dem Ziel, Hoffnung auf eine bessere Zukunft zu geben.“ Worum geht es in dieser Serie? Wie ist sie entstanden und was beinhaltet sie?
Wie im Leben, gibt es auch in meiner Kunst natürliche, evolutionäre und immer weiter wachsende Wege. „Hope Crisis“ ist in einer Zeit der Veränderung entstanden, sowohl persönlich als auch künstlerisch. Es ist die Materialisierung des menschlichen Glaubens: Das Symbol des Glaubens ist in der Tat eine Art Wachsmadonna, die umpositioniert und in verlassenen ehemaligen Votivschreinen oder verfallenden Orten wie Kapellen oder Kirchen platziert wurde. Wir sind oft zu Fuß unterwegs und stoßen bei unseren Reisen auf solche Orte. Vielleicht liegt es daran, dass mich die Industriearchäologie schon immer angezogen hat, und vielleicht kann ich die Menschen auch dazu bringen, Fragen zu stellen, wenn sie auf solche emotional starken Werke treffen. Warum steht hier eine Art kleine Madonnina mit einem halben Körper aus Metall? Warum ist sie hier? Was bedeutet sie?
Die Neugierde treibt uns an, nach Antworten zu suchen, nach Orten, nach uns selbst, nach einer besseren Zukunft. „Hope Crisis“ ist eine Suche, die von der Hoffnung kommt, in den Glauben oder in uns selbst, in die Welt – es spielt keine Rolle. Es ist eine verkappte Botschaft, die uns auf eine bessere Zukunft hoffen lässt. Reflexionen lassen uns wachsen, und mit ihnen können wir jeden Tag neue Dinge entdecken. Ich hoffe, dass es „Hope Crisis“ mit seinen Botschaften gelingt, Bewusstsein zu schaffen.
Die erste urbane Installation wurde in der Stadt platziert, in der ich lebe, ein sehr faszinierender und bedeutungsvoller Ort, aber mit dem traurigen Rekord, die am stärksten verschmutzte Stadt in Europa in den letzten zehn Jahren zu sein (zumindest bis 2019). Das erklärt, warum diese Figur, halb Wachs und halb Metall, komplett grau ist. Turin ist in der italienischen Vorstellung die Stadt von Fiat, eine Industriestadt (daher die Verwendung von Metall in der Installation), eine Stadt mit einem eigenen Grauton (Turin grau), aber auch magisch.
Daher war es keine zufällige Wahl, eine Serie zu starten, die den Glauben als Hintergrund hat, an einem Ort, der als esoterisch definiert wird, als wichtig für die weiße Magie, weltweit. Der Name der Installation ist 10131, was die Postleitzahl des Ortes ist, an dem sie platziert ist, das Gebiet um die Gran Madre di Dio, das Kirchensymbol der Stadt, genau im Zentrum.
„Hope Crisis“ ist ein Projekt, das für dich ein neues Konzept von Street Art verkörpert. Kannst du genauer erklären, was du damit meinst?
Wie bereits erwähnt, ist „Hope Crisis“ das Ergebnis einer langen Reise. Street Art ist schon seit vielen Jahren Teil der globalen Kunstszene, und für mich ist diese Serie ein aktiver Teil dieser Bewegung, verkörpert sie aber auf eine andere Art und Weise. Ihre Themen analysieren den intimsten Aspekt des Menschen, einen weniger greifbaren Aspekt. Um dies darzustellen, hätte mir ein riesiges Gemälde an der Wand nicht gereicht; es brauchte das Gegenteil: ein kleineres Objekt zum Anfassen, das auf die gleiche Ebene wie der Betrachter gestellt wird, dessen Zerbrechlichkeit es teilt.
Diese Installationen stehen im Gegensatz zu den Dogmen und Ideologien der Kirche, die den Menschen klein werden lassen. Man denke nur an die Wirkung, die die Majestät des Petersdoms auf uns hat. Ich wollte also etwas diametral Gegensätzliches schaffen, fast so, als ob der Glaube und sein Symbol von der Zeit vandalisiert und gezeichnet worden wären. Aus diesem Grund befindet sich die Installation 10123 in einer verlassenen Kapelle; wie der Ort, der sie beherbergt, ist auch die geschaffene Statue komplett mit Graffiti versehen. Es hat einige Zeit gedauert, den richtigen Ort für die Installation zu wählen und ihn mit dem Werk selbst in Verbindung zu bringen.
Hope Crisis – 10123
Es gab einen Moment während der Installation des Werkes 13039 in Turin, Italien, wo eine einzigartige Verbindung mit dem umgebenden Ort hergestellt wurde: Abgesehen davon, dass wir uns in einer Kapelle befanden, waren wir umgeben von Natur und Reisfeldern, die komplett in eine goldene Farbe getaucht waren. Dort wurde mir klar, dass es nicht ausreichen würde, die Installation einfach zu platzieren und zu gehen. Ich musste dieses Gefühl, das uns durchdrungen hatte, transportieren, um das Geschehen zu übermitteln, also gab ich ihr eine Farbnote, die uns an das Gold des Sonnenuntergangs über diesen Reisfeldern erinnern würde. Nach dieser Installation begannen die darauffolgenden, sich mehr an die Umgebung anzupassen, und die Prozesse der Umsetzung veränderten sich.
In der Installation 10054 in Valle Argentera, die mitten im Wald steht, einem Ort, an dem es früher einen Gletscher gab, hat die Votivfigur halb tierische Züge – der Kopf ist der eines Eisbären. Ich habe diese Merkmale übernommen, um das Schmelzen der Gletscher zu symbolisieren; außerdem habe ich Feuer verwendet, um das Wachs zu schmelzen und die Außenwände kleinen Votivschreins mit stilisierten Eisberg-Zeichnungen versehen, um dem Kontext selbst Kraft zu verleihen.
Jede Installation der Serie hat ein Serigrafie-Tag, das sie erkennbar und einzigartig macht, genau wie die Botschaft, die sie trägt. Zum Beispiel befindet sich 17024 in Ligurien, mit Blick auf das Meer. Auch sie hat eine Besonderheit: der obere Teil, der Kopf der weiblichen Figur, besteht aus einer Plastikflasche und ist in Netze eingewickelt. Dem Meer zugewandt ist nur der Rücken zu sehen, in der Hoffnung, dass derjenige, der sie ansieht, erkennt, dass sie sich Gedanken über die Verschmutzung der Meere macht. Ich denke, es ist zum Teil die Kombination dieser Themen, sowie die Tatsache, dass es sich um urbane Installationen handelt, die das Konzept von Street Art für mich anders und neuartig machen.
Hope Crisis – 13039
Hope Crisis – 10054
Hope Crisis – 10054 I Prokekt und Konzept: Morb I Videografie: Sara Ceci I Fotografie: Massimiliano Sticca
Hope Crisis – 17024
Neben deiner Liebe zur Malerei und Zeichnung, die nun „einen ideologischen Teil deines Lebens darstellen“, begeisterst du dich auch für Poesie und Musik. Was kannst du uns über diese Bereiche deiner künstlerischen Praxis erzählen? Ist die Musik in deinen „Hope Crisis“ Videos auch von dir?
Ja, das waren schon immer einige meiner größten Leidenschaften. Als ich jung war, veröffentlichte ich eine Sammlung von zweisprachigen Gedichten mit dem Titel „Attimi fugiti dal vento“, aber wie Rimbaud, dessen Schreiben mich so sehr faszinierte, gab ich diese Praxis später auf und widmete mich mehr der Musik und der Kunst, die nun die Protagonisten meines Lebens sind. Ich habe persönlich die Tracks produziert, die den Soundtrack zu den Videos von „Hope Crisis“ bilden, was die Verbindung unterstreicht, die ich zwischen diesen Leidenschaften hergestellt habe. Ich liebe Musik in all ihren verschiedenen Genres sehr, aber ich produziere nur elektronische Musik, die ich gerne auf Vinyl höre, spiele und mixe.
Was steht bei dir als Nächstes an? Was hast du für dieses Jahr geplant (oder sobald es der Coronavirus erlaubt)?
Ich möchte keine Vorhersagen darüber machen, was die Zukunft für mich bereithält; ich weiß nur, dass ich auf meinem Weg weiter voranschreiten werde. Dieses Jahr habe ich es endlich geschafft, meine Leidenschaften, Kunst und Musik, zu verschmelzen, zwei Welten, die Hand in Hand gingen und nun eins werden.
„Art Connection“, ein aktuelles Projekt, wurde mit der Idee geboren, Kunst und Musik durch Streetwear zu verknüpfen. Aus diesem Grund habe ich eine limitierte Serie von originalen Vintage Levi’s Jacken mit einer echten Leinwand darauf entworfen. Auf diese Weise kannst du Kunst tragen, im wahrsten Sinne des Wortes, indem du die Leinwand wechselst, wann immer du willst. Es gibt drei Städte, die dieses Projekt inspiriert haben – Mailand, Berlin und London – und in jeder von ihnen wurde eine Kollaboration mit einem international bekannten DJ etabliert, der sie am besten repräsentiert. Mit dem Kauf eines Stücks dieser Serie unterstützt du aktiv die Musikszene, die sich derzeit in großen Schwierigkeiten befindet. Im Paket befindet sich ein Vinyl, das von den DJs, die mit mir für dieses Projekt zusammengearbeitet haben, persönlich ausgewählt wurde.
Außerdem gibt es in Bezug auf „Hope Crisis“ Pläne für nationale und internationale Kollaborationen, um das Projekt europaweit voranzubringen. Ich kann nur sagen, dass ich weiterhin sehr aktiv bleiben werde und ich werde weiterhin Menschen an meiner Seite haben, die mich unterstützen und dafür sorgen, dass meine Arbeit weiter wächst und so viele Menschen wie möglich erreicht; dies ist auch dank dir und diesem Interview möglich.
MORB ART
Turin, Italien
Website morbart.com
Instagram morb.art
Facebook morb.gurbowicz
Fotograf max.sticca.ph I www.sticca.it
Videografin heppinoise I www.saracecci.com
Videograf Giovanni Bottisio I gio.bot
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Bilder © Morb
April 2021
by Laura Vetter
