Du hast an der Kunstschule in Ravenna eine klassische künstlerische Ausbildung absolviert, und dann einen Abschluss in bildender Kunst an der Akademie von Bologna gemacht. Nach deinem Studium, im Jahr 2004, bist du nach Barcelona gezogen, hast die Welt bereist und deine künstlerische Karriere auf ein globales Level gebracht. Was hat dich dazu bewogen, in dein Heimatland zurückzukehren, den Galerien und der etablierten Kunstwelt den Rücken zu kehren und hinaus in die Natur zu gehen?

Natürlich war der tägliche Kontakt mit der Natur und das Abenteuer schon immer notwendig für mein Gleichgewicht und meine Inspiration, manchmal auch nur in der Fantasie. Ich glaube aber nicht, dass ich meine Verbindungen zur Welt der Galerien gekappt habe; ich betrachte sie als ein Portal. Manchmal ist es schwierig zu kommunizieren, das gebe ich zu. In der Tat warte ich darauf, dass sich der richtige Gesprächspartner präsentiert, die richtige Galerie, um gemeinsam einen dauerhaften Dialog zu schaffen, der in der Lage ist, meine Forschung zu katalysieren. Es ist eine Kombination, die mit den uns heute zur Verfügung stehenden Kommunikationsmitteln von jedem Teil des Globus aus entwickelt werden könnte; vielleicht habe ich auch aus diesem Grund beschlossen, in meine Heimat zurückzukehren. So sehr ich auch die Bewegung und die Stimulation der Menge mag, glaube ich, dass das Leben in der Stadt aggressiv und auf Dauer entfremdend ist. Ich hatte angefangen, mich selbst in einer relativ aufgeschlossenen und lustigen Stadt wie Barcelona unterdrückt zu fühlen (auch aus sentimentalen Gründen). Ich bin in einer kleinen Stadt am Meer aufgewachsen. Dynamik ist für mich fundamental, genauso wie Wasser, Raum und kurze Wege. Im Moment schreibe ich von einem kleinen Haus in der Nähe eines Waldes aus, was mir den täglichen Kontakt mit der Natur ermöglicht und mir ein Testfeld für bestimmte Experimente mit Pflanzen, Nest-Skulpturen etc. bietet. Ein weiterer starker Grund, der mich zurückkommen ließ, ist mein neues künstlerisches Projekt, für das ich wusste, dass ich mich hier besser bewegen kann, sowohl in Bezug auf das Arbeitsnetzwerk (Musiker, Videomacher, Fotografen) als auch in Bezug auf die Elemente der Untersuchung (die von der Natur wiederbesiedelten Ruinen). Das Projekt heißt HABITAT und verdient eine eigene Untersuchung. Abgesehen davon, kann ich es kaum erwarten, wieder zu reisen!

Barcelona war auch die Stadt, die Graffiti-Einflüsse in deine Arbeit zurückbrachte und in der du dich entschieden hast, deine Kreationen zurück auf die Wände der Straße zu bringen. Was war der Auslöser? Warum hast du den öffentlichen Raum als Arbeits- und Ausstellungsumgebung gewählt?

Wie alle großen Entdeckungen und Abenteuer hat alles zufällig begonnen. Ich landete darin wie in einem euphorischen und mitreißenden Tanz. Einmal drinnen, verstand ich das Potenzial. Diese Szene, die anfing, Street Art genannt zu werden, unterschied sich sehr von dem, was sie heute ist, und in der Besonderheit von Barcelona war sie damals von aufregendem Austausch und freiem Experimentieren geprägt. Es war einfach, diese Entscheidung zu treffen, und das Treffen mit Pyu (Ex-Mitglied der ONG Crew) war mein der Auslöser für mein Eintauchen.

Die Arbeit in der realen Welt, im physischen Raum, hatte (und hat immer noch) einen sozialen Sinn: Sie ermöglicht dir eine direkte Begegnung mit den unterschiedlichsten menschlichen Nutzungsarten und somit nicht ausschließlich mit „Experten“. Es war aufregend und hatte eine viel größere kommunikative Kraft; außerdem war (und ist) es jedes Mal ein Abenteuer, das vom Gehen zum Tun begann und zum Treffen und Teilen führt. Im Laufe der Zeit haben der Realitätsraum und seine Bewohner eine immer wichtigere Rolle in meiner Poetik eingenommen.

Würdest du dich als Urban Artist oder als Land Artist bezeichnen? Siehst du eine klare Trennung zwischen den beiden?

Wenn ich mir die letzten Jahre des vergangenen Jahrzehnts anschaue, habe ich festgestellt, dass es einen Subtrend gibt, der diese Felder zusammenführen will, und ich fühle mich als Teil dieser Bewegung. Ich persönlich habe schon bei meinen ersten mehr oder weniger wilden Produktionen im öffentlichen Raum zaghaft versucht, Muralismus mit Installation und dann Land Art zu hybridisieren. Das sind Arbeiten, die mir sehr am Herzen liegen, wegen ihres mutigen und etwas respektlosen Charakters, die aber leider nicht zu den bekanntesten meiner Produktion gehören. Vielleicht auch wegen der mangelnden Dokumentation und nicht allzu genauen Verbreitung jener Jahre, aber hey.

Da fällt mir zum Beispiel das Cappix-Projekt von 2006 ein, die Bollwerke aus Konfetti oder substanziellen Teilen, die in der dritten Dimension aus der Wand kamen und manchmal begehbare Räume erzeugten, wie z.B. beim legendären INFART III, eines der besten Festivals, an denen ich je teilgenommen habe. Von dort aus habe ich weiter mit dieser Hybridisierung experimentiert, wenn auch auf eine diskontinuierliche Art und Weise. Heute hat die installative bzw. landkünstlerische Seite für mich neben ihren ästhetischen Gründen zunehmend die Funktion, mir dabei zu helfen, Räume bzw. Mikrowelten zu generieren, die von anderen Spezies als Zufluchtsort, als Nahrung genutzt oder anderweitig genossen werden können (vor allem in den Arbeiten innerhalb der Urbanität), um die Bedeutung meiner Arbeit weiter zu steigern, die die der Koexistenz und des Teilens ist, des Aufbrechens der Grenze zwischen menschlichem und nichtmenschlichem Raum.

Deine Arbeit enthält immer auch eine allegorische Interpretation und kombiniert eine Vielzahl von verschiedenen Einflüssen wie post-humane Kultur, sakrale Kunst, Zoologie und psychedelische Kunst. Was sind deine Quellen der Inspiration? Gibt es andere Künstler, die dich inspirieren?

Der Versuch, diese Frage zu beantworten, ist für mich immer sehr schwierig. Ich bin fasziniert von Meistern, die ähnliche Felder erforschen, aber auch von anderen, deren Antworten und Bereiche völlig entgegengesetzt sind. Der Sinn für das Absolute und Amorphe von Burri oder seines Freundes 108 regt mich genauso an wie die Poetik von Hundertwasser, das Licht von Turner (das ich gerne wieder sehen würde) oder die Welten von Hieronymus Bosch. Ich habe großen Respekt vor der Arbeit von Waone und Aec (ex Interesni Kazki Duo) und dem Meister Blu (vielleicht sein erster starker und inspirierender Kontakt mit Street Art im Jahr 2000 während seines Studiums in Bologna).

Wenn es um Inspirationsquellen geht, kann ich nicht umhin, die unwiderstehliche Faszination für Felsbildkunst aus aller Welt zu erwähnen und für das, was sie repräsentiert (d.h. eine Welt, in der es noch keine Unterscheidung zwischen Tieren, Menschen, Bäumen und Geistern gab: eine Seelenwelt, in der sich Wesen verwandeln konnten und man nie wusste, ob es ein Gott, ein Fels oder ein Mensch war). Ich denke auch an die Juwelen dieser Welt, die aus Materialien hergestellt wurden, die zur Erde gehören; ich denke an die Lösungen der keltischen Völker, für die der Wald Heimat und Tempel war und an die uralte primitive Nomadenwelt und die Formen des Primitivismus. Primitivismus, der in den Werken der Gewebekultur und der Kunst futuristisch wird (obwohl ich in letzter Zeit ein wenig den Überblick verloren habe)… und wieder die Formen und Kräfte der Architektur und der Malereien der Kultstätten, der Nuragischen Brunnen, der Hindu-Tempel, der verlassenen Kirchen, der prunkvollen Kathedralen, bis hin zu den Zeichnungen verträumter Videospielentwickler wie Another World oder Journey, den Schriften von Gilles Clément und natürlich der Musik … der Musik, ja, der Musik … aber das ist eine andere Geschichte … Ich vermisse es, Musik zu machen. Ich hoffe immer, dass ich mich dem wieder widmen kann… vielleicht habe ich dieses Jahr die Gelegenheit dazu.

Mit deiner Arbeit hast du mehr als ein Jahrzehnt lang die komplizierte Beziehung des Menschen zur Erde erlebt und beobachtet. Was sind die Erkenntnisse, die du mit uns teilen kannst? Was ist deine persönliche Vision von der Beziehung zwischen dem Menschen und der Biosphäre?

Ich warne davor, dass das System in der Ära der Globalisierung, die wir erleben, es geschafft hat, allen Bewohnern des Planeten die gleichen Erwerbsbedürfnisse einzuimpfen, und zwar auf eine weit verbreitete Art und Weise: vom Bürger der Megalopolis, der „ersten Welt“, bis zum Nomaden der Savanne. Genauso hat sich die Populärkultur sehr standardisiert, mit dem zweischneidigen Schwert der sozialen Netzwerke, die viele Informationen dorthin fließen ließen, wo sie sonst nicht angekommen wären, während sie gleichzeitig die Statussymbole und Ideen der ‘Siegerfigur’ in der Gesellschaft beeinflussen und ihren Kanon verflachen. Besonders in den neuen Generationen, wo sich die Kluft zwischen introvertierter Supersensibilität und totaler Oberflächlichkeit immer mehr öffnet. 

Wir wissen, dass der Durst nach Bequemlichkeit die Grundlage der globalen Wirtschaft ist, und er lastet auf den älteren Generationen genauso wie auf den Millennials. Dieser Tsunami hat meiner Meinung nach alles getroffen, ohne die spezifische Entwicklung der verschiedenen Gesellschaften (sowohl in Bezug auf die Struktur als auch auf die Kultur) zu berücksichtigen. Das Gesamtbild ist, dass jegliches zerstört wird, um Dinge anzuzapfen, zu erschaffen und zu verkaufen, die auf der Erde als Abfall zurückgelassen werden. Es ist, als ob verschiedene Kontinente in unterschiedlichen „evolutionären“ Zeiten leben, die sich mit den Zumutungen des Marktes auseinandersetzen müssen, der wie eine höhere Ebene für alle gleich ist. Das schafft noch mehr Ungleichgewichte, aber es beschleunigt die Ergebnisse. Es ist traurig zu sehen, dass Vertreter verschiedener angestammter Kulturen danach streben, den Emblemen jüngerer und auf Kapitalisierung basierender Kulturen ähnlich zu sein. Vielleicht denselben, die sie zuerst mit Waffen und dann mit Konsumgütern kolonisiert haben (ich erinnere mich an dieses Gefühl, als ich eine Gruppe von Männern beobachtete, als ich in Painted Desert im Navajo Reservat in Arizona malte). Menschen, die ihre Wurzeln, ihre Besonderheit verlieren… Die Gesellschaften, die bis gestern noch in engem Kontakt mit der Natur lebten und ihre Bewegungen kannten, gehören heute absurderweise zu den umweltverschmutzendsten, weil sie danach streben, den von der globalen Wirtschaft auferlegten Modellen ähnlich zu werden und dazu neigen, die Auswirkungen des „Wegwerf“-Modus nicht zu bewerten oder zu kennen, der in der ersten Welt bereits gediehen ist und dort bereits eine verheerende Wirkung hat.

In der sogenannten ersten Welt, auf der populären Ebene, gibt es viel Sensibilität für den Diskurs der ökologischen Nachhaltigkeit, obwohl die großen Warenfabriken bereits das Banner der Bioprodukte nutzen, um ihre Marke zu waschen und weiterhin in der Logik der globalen Ausbeutung zu gedeihen. Ein guter Veganer ist heute nicht unbedingt nachhaltig (wenn das die Pythagoreer gewusst hätten!); jedoch sind die neuen Generationen, wenn auch in der großen Verwirrung dieses Moments des menschlichen, evolutionären Übergangs, im Allgemeinen sehr informiert und aufmerksam. Und, auch wenn sie nicht alle aktiv sind, sind sie sich bewusst, in einer Welt zu leben, die nicht mehr auf der Logik der Ausbeutung des Planeten wie einer unendlichen Mine basiert. Die Dinge ändern sich, aber die Zeit läuft ab. Wir leben sicherlich in einem Moment, der in die Geschichte der Menschheit beispiellos ist. Dafür ist ein starkes, gemeinsames und sofortiges Handeln aller erforderlich – ein Paradigmenwechsel bei denen, die bisher über das Schicksal aller entschieden haben: das kapitalistische System. Mein Traum ist es, die Integration mit der „realen Welt“ wiederzuerlangen, wie sie in den heidnischen Gesellschaften vor dem Aufkommen der großen Monotheismen und ihrer platonischen Pyramidenhierarchien war, mit dem Wissen, das wir heute in wissenschaftlichen und philosophischen Bereichen haben.

HABITAT beschreibt „das Zuhause oder die natürliche Umgebung eines Tieres, einer Pflanze oder eines anderen Organismus“ oder „die übliche oder bevorzugte Umgebung einer Person“. Warum hast du diesen Namen für dein neues Projekt gewählt, das sich aus deinem Nebenprojekt und aus deiner persönlichen Forschung ABITARE entwickelt hat? Worum geht es dabei?

Mit Habitat meinen wir die natürliche Umgebung eines Tieres, in diesem Fall das Habitat des Homo Animalis, das seit mehr als drei Jahrtausenden die Stadt ist, und seine Behausung: das Haus, das Gebäude. Die westliche Welt ist voll von Gebäuden, die sich in einem Zustand der Halbverwahrlosung befinden. Sehr oft erfordert der Abriss und die Entsorgung dieser den Einsatz beträchtlicher Ressourcen, fast immer unhaltbar durch öffentliches und privates Eigentum. Das Ergebnis dieser langen Wartezeiten ist eine allmähliche Wiederaneignung eines Raumes durch die Natur, der ihr gehörte und der in der Tat allmählich wieder mit anderen Lebewesen als Menschen besiedelt wird. Das Ziel von HABITAT ist die Untersuchung, das Studium und die formale Erforschung dieses Phänomens, das als ein natürlicher künstlerischer Prozess gelesen werden kann.

HABITAT zielt darauf ab, eine Vision des Lebens im anthropischen Raum nach dem Ende des Anthropozäns zu beschreiben. Die Untersuchungsfelder gehen von einer ästhetischen Analyse aus, die von einer zeitlich kontinuierlichen Foto- und Videodokumentation unterstützt wird, und nicht im Moment der künstlerischen Intervention aufhört – sondern in Verbindung mit dem spontanen Wachstum der Fauna und der vegetativen Elemente fortschreitet. Die künstlerische Intervention ist als kleines goldfarbenes Zeichen konzipiert, um den magischen und erhabenen Charakter (für den die goldene Farbe ein Symbol ist) des Readymades, das von der Natur selbst gemacht wurde, zu betonen und zu verstärken.

GOLA HUNDUN

Rimini, Italien

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